【大衛芬奇的導演建議,拿來用在「職場」和「關係」都說得通】
文章開始先破題吧,我喜歡的導演之一是大衛芬奇(David Fincher)。
無論早期的《火線追緝令》和《鬥陣俱樂部》,再到近年的《控制》《紙牌屋》和《破案神探》,我經常驚嘆這個導演對於角色人性的刻畫及社會議題的把控。
前幾天看到大衛芬奇的採訪影片,是他給予新生代導演們關於「拍片」的建議,訪問長達 14 分鐘,我發現他給出的建言不光是適合拍電影,用來放在「職場」跟「關係」都說得通。
大衛芬奇的導演建議,真是一碗好喝的雞湯,沒有相當程度閱歷根本熬不出這種湯頭。
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「拍電影,必須講求一致性
任何畫面不是比誰出彩,而是比誰協調。」
大衛芬奇拿拍攝《龍紋身的女孩》舉例,這部片總共花了 150 天拍攝,他要求劇組人員在片場要保持全神貫注,若現場有人不夠專心,整個帶子回放就是「卡卡的」。
哪怕是演員,大衛芬奇同樣告訴他們:「我要你做到的不是演得超好,而是你必須演得符合『當下氛圍』。」
我大概理解大衛芬奇在講什麼,因為我就看過一部電影,明明每個演員都表現很好,但放在一起就是無法形容的怪。
恰好那時跟劇場朋友一起看,事後他向我解釋,當每個演員使用的表演手法都不同,A 用的是舞台劇的演法,B 用的是藝術片的演法,放在同個畫面就會衝突。
導演的主線任務,是盡可能讓整體協調。
任何關係也一樣,跟別人相處,你不可能僅考量到自己,確實要學習配合,就像跳華爾滋時進時退,練習優雅地融合其中,卻又不會感到委屈自憐。
活出自己與和他人和平相處,本質上不矛盾。
你依舊可以在與人合作的同時,依然讓自己低調閃耀,請記得會發光的人,他到哪裡就是會發光,實在不用忙著炫耀自己,為自己樹立敵人。
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「靈感如何化為劇本?
思考和分析,才是最重要的。」
每當腦袋浮現故事靈感,大衛芬奇就會趕緊寫下來,將電子產品關掉、全神貫注地把雜亂無章的思緒重新整理。
大衛芬奇會花上一年到一年半時間研讀同一個劇本,記住特別印象深刻的段落,分析角色為何會說出這句話?以及這段對話要用怎樣的視覺效果呈現會比較合適?諸如此類問題,來來回回研究。
我們都有將想像力化為現實的能力,但為什麼多數人都是「心有餘而力不足」?
從大衛芬奇的角度來看很簡單:你只是不願意專注思考和分析罷了,這兩項都是需要花時間與心力,很多人都懶得做。
直覺和天賦,不過是靈感的開關;邏輯和思辨,才是將幻想化為目標的關鍵。
坦白說,我越來越相信一件事:要當一個憑直覺做事的動物性人類很簡單,衝動最容易了。
因此,能夠保有理性與節制的人,這種人更靠近神性,也更能美夢成真,任何時代都一樣。
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「再沒把握,片場依舊要表現足夠自信,
請對你的團隊負責任」
大衛芬奇笑說,做導演最困難的就是面對一群等待你交辦任務的團隊,想像他們望著你的臉、希望你能給予精準與明確的指令,根本壓力山大。
他笑道:「哪怕心裡再怎麼沒有底,你表面上還是得有自信,也要勇於表達你的想法。如果一上來就在那邊『我不知道?』『你覺得呢?』通常這種人是無法帶領大家的。」
大衛芬奇也言明,雖然拍片是大家的任務,但當導演就意味著協調團隊,要有扛下責任的認知。
不過他承認,當他真正練就到很有自信、確信自己判斷應該不會失準的時候,年齡大概將近40 歲了。
大衛芬奇的這些話,我認為就是在給「當主管」的人建議。
有些主管會試圖表現出和團隊很好的樣子,事事都徵求成員意見,深怕得罪底下的人,對自己的判斷沒自信。
還有一種主管,他們喜歡諮詢屬下意見、把自己的事情都丟給屬下,若事情沒做好,他就可以理所當然地丟包。
屬下做好,KPI 算主管的;屬下沒做好,就是屬下的問題。
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關於第一個類型的主管,他們想法是可以被理解的,在於歷史典故總是不厭其煩地教育我們,若皇帝一味固執己見、不聽群臣的話,國家就會導致毀滅云云。
歷史教我們的「不完全」錯,但我認為領導和員工不同的地方在於:領導是要顧全大局,員工大概率只要做好自己事情就好,雙方立足點完全不一樣。
不一樣的位階,其思考程度很難達到同一水平,所以我不覺得「換個位子、換個頭腦」這種概念有何不對。
但是,我認為主管不能因為換個位置,就「換個心腸」,變成毫無同理心的人。
就像上述「第二種類型」的主管,不清楚屬下極限,硬是要求屬下做出連自己都做不到的事情,大家敢怒不敢言,無助團隊發展。
身為主管,我曉得你一定很孤單吧?感覺你不管怎麼做都不對,過度配合屬下也不行、過度固執己見也不行。
實際上,我相信沒有一個人是天生會當主管的,經常聽到朋友們被主管欺壓半死的故事,縱然生氣歸生氣,但仔細想想,主管大抵都是不夠有自信使然,連背鍋都沒底氣。
不過正如大衛芬奇的鼓勵:帶領團隊,是一趟鍛鍊心志與自信的過程,他也是到了 40 歲才真正做到有信心。
做錯沒有關係,勇敢承認,趕緊調整回來就好。樂於表達自己很好,但吸收與平衡員工建議也很重要,因為你確實是團隊的領頭者,就是要負責拿捏對上和對下的平衡。
你不懂得掌握韁繩,就不要怪馬兒失控。
#Adaymag
https://www.adaymag.com/2021/01/22/directing-tips-david-fincher-inspire-me.html
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{{ 肆. 談談現場演出實務經驗 }}_07
由於撰寫了這些相關於現場演出的基礎實務經驗,開始有一些年輕的網友來訊詢問一些困擾了他們相當時間的現場狀況,其中一個相當有『代表性』的問題是:『為什麼我不論到什麼樣的演出場合,我的電吉他音色從地板監聽送出來的聲音都很難聽?』。我猜想這是許多吉他手都曾經歷過的夢魘:明明在家裡調整好的音色(特別是破音”Drive”類),每次到了演出現場,聲音就變得好奇怪,然後再從監聽聽到的時候,根本就是另外一個陌生人…
那我怎麼知道外場的觀眾到底聽到了什麼啊…?
我不知道你的觀眾到底聽到了什麼,但我知道:如果你從音箱出來的音色就不好聽,那觀眾要聽到好聽的音色,機率等於零。
當我看到上面那個很有代表性的提問時,我心裡已經有了一個大致的答案方向;不過,為了印證我心裡的想法,我還是回訊邀約了這位網友到我所執教的北藝大IMPACT學程所附設的錄音室,使用了裡面的器材來看看問題出在哪一個環節。在經歷一個多小時的實際演練,我完全斷定了這一類型問題的結論:
『不是你的監聽系統有問題,是你的音箱使用方式有問題。』
[二. 認識現場的器材_02]~吉他音箱
當天我們在IMPACT錄音室所使用的音箱是Marshall JVM-410H/412 1960 type Cab (https://marshallamps.com/products/amplifiers/jvm4-series/jvm410h/ ),這位年輕吉他手的音色器材是 Boss ME-80 (https://www.boss.info/global/products/me-80/ )這個在市場上相當有市佔率的綜合效果器。我請他把現場當做是演出的場地,示範當他進入到演出場地的舞台上時會做的整個動作流程;他將所有的訊號導線依序串接好,也依照正確的開電程序:先打開效果器電源,在音量歸零的狀態下打開音箱頭的第一段電源,由於JVM-410是全真空管的設計,所以稍等了幾分鐘讓真空管預熱到工作溫度,再打開stand by開關,開音量,調整音箱面板上所有的旋鈕,希望能喬出一個他滿意的音色;一小段時間之後,他帶著遲疑的眼神告訴我:『應該就是這樣的聲音……吧?』
不用說,那個音色一定是不理想的:低頻有著一種甩不掉的厚重泥巴感,高頻尖刺而穿透,而吉他可能最需要仔細推敲的中頻區段…好像遺忘在家裡整個沒帶出來,別忘了,這可是Marshall的音箱,所以這些陳述都可以再誇張好幾倍去想像它~
在電腦程式設計上有一句厲害的銘言:GIGO (https://zh.wikipedia.org/wiki/%E5%9E%83%E5%9C%BE%E8%BF%9B%EF%BC%8C%E5%9E%83%E5%9C%BE%E5%87%BA );代換到聲音訊號的流程其實也是一樣的:如果前端的音色就有問題,後端輸出的音色勢必也會有問題。所以,這位吉他手在監聽端所聽到的『難聽的音色』,也只是麥克風以及後端的相關音訊硬體,忠實地捕捉、反應了音箱端的音色樣貌而已。
所以問題出在哪裡?我請這位年輕朋友將整個系統按照正確的關機順序關掉所有的器材、拆掉所有的串接訊號線,重新再來一次:
1. 導線~
關於『導線的方向性』這件事,我很確定不是來自音響發燒友那種吹毛求疵的Hi-fi要求而已,我自己偶有會接錯了導線的方向,以致於音色在高頻方面會突然感受到變得遲鈍、手感反應不佳的現象;許多年輕的樂手會很隨性地將一團混亂的訊號線,找到接頭就不管三七二十一地給接駁上器材,但有很高的機率,你已經將應該可以有的完整聲音訊號給打了折扣,所以後面被驅動的相關器材都沒能得到足夠的『水流』(這個說法請參見上一篇的解釋:
https://www.facebook.com/rayhuang.guitar/posts/159539971320222 ),所以『效率』變得不好。而判定訊號線方向性的方式,可以參考這一篇的初級討論:http://www.my-hiend.com/vbb/showthread.php?56-%E5%A6%82%E4%BD%95%E5%88%A4%E5%88%A5%E7%B7%9A%E6%9D%90%E7%9A%84%E6%96%B9%E5%90%91%E6%80%A7 。我們因此可以注意的是:
A. 器材的串接,應該注意到訊號線的方向性,寧可龜毛,千萬別懶散。
B. 由基礎物理學可以知道:電流通過導線時會產生『磁場』。所以,如果你串接器材的訊號線過長,為了節省空間或美觀,你可能會把訊號線纏繞成圓圈,但那其實會形成一種『磁場效應』,影響你的音色品質;因此,我們寧可讓訊號線平鋪,而盡量避免『繞成圓圈』。(http://wp.chjh.tp.edu.tw/blog/shingfu/files/2012/11/magetic.pdf )
2. 吉他與音箱~
當我必須使用到現場所提供的音箱,我的第一件事其實是只拿一條導線,按照正確的方向連接吉他與音箱,將音箱的EQ置中,然後聽聽看只有自己的吉他,與這個音箱的那種最單純的聲音樣貌。
因為在實際的狀況,除非你非常有把握透徹瞭解演出現場所提供的音箱規格與當前的器材狀態,否則,極高的機率你只會使用現場提供音箱的單一channel ---特別是clean channel,來當做你的『效果器平台』;也就是說,你的Clean Tone會是依靠音箱的clean channel,你所需要的Drive Tone,大多來自你的pedal。在這種前提下,把音箱的clean channel調整成一個『中性音色的平台』,應該是一個首要的安全措施。
而因為每一位樂手喜愛的電吉他各有不同,而每一種電吉他的聲音頻率特性也都不一樣,更不用說每一個現場的音箱條件幾乎不會一樣,當那麼多的變因組合在一起時,如果不先從最單純的組合來調整出一個『中性』的聲音平台,而硬要在不理解現地音箱的聲音狀況下,憑藉著一些『對這個品牌音箱的既定印象』來做音色的調整,在我看來,絕對是一件事倍功半的徒勞之務。
3. 效果器(Drive類型)與音箱~
談到這一題…幾乎沒有任何可以立刻解答疑問的萬用手冊來提供我們最需要的參考方向。在不知多少次的組合嚐試之後,我不得不同意下面這個影片所做的實驗與解釋:
https://www.youtube.com/watch?v=CdKjhXWpjq8 。
我非常欣賞這兩位(英國?)仁兄所做的條件設定:用Fender最著名的兩種型號:Telecaster與Stratocaster (都是單線圈)來控制電吉他Pickup的變因,選用最具有代表性的兩款音箱(Fender, Marshall),來比對市場上最有性格代表性的Overdrive與Distortion (雖然他們選用的是Nano Muff,理論上是比較偏向Muff類的Fuzz音色,但從影片中的表現,似乎可以視為音性更趨近distortion),是如何地無法在兩類音箱中,都能取得『相對平均』的音色表現。他們說:『如果問如何調整Drive與音箱的表現,這個問題本身就是一種誤導』,『可能應該問---什麼特定的Drive pedal會更適合什麼特定的音箱』。這個意思是:如果你在家裡使用的是一個XXX類型的音箱,但演出現場提供的是YYY類型、ZZZ類型,其實…你應該不用期待你今天的音色可以好到什麼地方了。
如果還不死心,我們也可以尋求第二意見:
https://www.youtube.com/watch?v=iM8Ff-DCLzg ,
這位仁兄是美國Pedal品牌Wampler的老闆,他除了再一次示範這個殘忍的事實,更開宗明義地揭示:『這是為什麼我們的產品上面會有那麼多的音色選項與旋鈕』。
而上面兩個影片連結用的都還是真空管類型的音箱,再想想我們在臺灣的展演場地,似乎還有不少場域提供的是電晶體類型的音箱,這其中所存在的頻率響應差異,恐怕不是你不斷更換Drive Pedal就能一勞永逸地解決的。
4. 解決。
承上面兩點所述,我所能做的、非常保守的建議是:不要讓你的音色呈現太『極限』的方向---除非你扛了自己的音箱出門。
為什麼需要先把現場的音箱調整成一個『中性』的平台?或者,為什麼許多新型態的音箱要標榜『Pedal Friendly』?基本上都是為了希望不要在『基礎的音色平台上給予太多染色』的考量;下面這個影片是反過來示範幾種很有個性的音箱,調整成取向比較一致的音色基準之後,對於幾種類型的Drive Pedal所呈現的比較一致表現的示範:
https://www.youtube.com/watch?v=Tb1HZCw3UzY 。
那麼,是什麼導致我們會想調整出『比較極限』的音色呢?
A. 因為你在摹仿你的吉他英雄的音色!我並不是反對這個重要的音色摸索與學習的過程,但你一定要意識到一件事:所有你聽到的吉他英雄音色,特別是來自專輯作品或良好製作的訊源,我必須說:那都不是他最真實、赤裸的音色。最常見的是當你在處理比較重的節奏音色,你覺得你的吉他英雄都把中頻挖空了、留下了很明顯的低頻與高頻,所以我的音色方向也要這樣調!好吧~就假設你真的可以調出百分之百還原專輯的音色、在現場做演出,但…你其他的樂手也有百分之百地調出這位英雄的其他樂手的音色與頻率嗎?如果沒有,這整個的音色組合是不是哪裡會不太對勁?你真的覺得可以還原得一樣好聽嗎?
那些你以為不存在的頻率位置,不是它們真的『沒有』,而是在混音(Mix down)階段時,針對音樂性的需求而『捨棄』的---這裡的重點是:如果沒有那些頻率,Mix down的時候要怎麼做出捨棄的動作?
我們的確可以分析各個吉他英雄在音色上的『特性』,但那些特性,在實際操作上,並不是你『想像中』的那麼極限。
B. 剛好與上面的A點相反:你自己一個人在家裡調出了太多不必要的頻率!這個現象常常因為你自己一個人在家裡練習,所以將整個吉他的頻率調得過於飽滿,所以往下與Bass的頻率重疊、往上與鼓組的金屬類樂器重疊;一旦到了現場是一個你不熟悉的音箱器材,你幾乎不知道要從哪裡來著手調整音色。
C. 最最最常見的問題:你的Drive量太多了!你為了要表現出電吉他的狂野粗暴,Pedal上的drive鈕下手是沒有猶豫的!但你可能不知道,各類型音箱的『Gain Stage』對於前端Drive Pedal傳來的音色頻率,是有截然不同的複雜反應的,那些你所期待的『力度』,其實常常是相反的音色調整---你應該縮減你的drive量,而用pedal volume去『Push』你的音箱,以及你應該加強左手壓弦與右手Picking的『勁道』---請注意!是『勁道』而不是傻傻的『力道』。而關於什麼種類的drive會如何產生對於音箱的『推力』,以及究竟應該用『幾顆drive pedal』來疊加到適當的Drive音色,這真的是一個巨大的課題;我希望在幾週之後聊到這些『破音』效果器的相關議題時,可以有進一步的討論。
D. 如果你在家裡是沒有適當的條件來讓你的音箱有正確工作音量,或你選用的音箱本身有硬體限制(過小的speaker尺寸或頻率不盡完整的相關設計),為了補償這些先天限制,你很可能會調出一個後來放在比較中性平台上就顯得『扭曲』的音色;如果是這個方向的問題,我希望在之後的文章中,以不是業配文的角度,來建議一些在現今起居環境中可以參考選購的器材,來讓你的吉他音色編輯能夠比較中性些。
5. 吉他音箱與麥克風收音~
當上面所有的陳述都已經盡力取得中性的呈現之後,麥克風收音的位置,絕對有著你預期以外的效果。除了水平移動來增減高音的比例之外,Z軸的遠近移動也會造成整體音色的『激進』與『柔和』的區別。這應該是所有音色調整中最不費事的手段,我真的建議吉他手都應該自己動手試試看這些移動所造成的音色變化。
以上。
如果冷靜地想一想,上述的這些標準動作,事實上都會需要花費時間的!這是為什麼我非常強調一定要在演出前提早更多時間去做Sound Check的原因---你永遠不知道今天的對手是長成什麼樣子,唯一的辦法,就是早點兒去認識它!
一個多小時之後,這位年輕吉他手的音色修整成中頻明顯增加了若干,而主要的Drive量減少許多的樣貌,但因此,他在節奏音色與Solo音色上,多出了許多彈性的選擇。他也許會喜歡、也許日後又會調整出別的樣貌,但不論如何,他的吉他音色,一定會比之前更能『容得下別人』了。
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{{ 肆. 談談現場演出實務經驗 }}_06
正所謂:『千里之行,始於足下』;先前的文章提到過,當我們還在音樂道路的起始階段,我們快樂地與音樂夥伴們去到學生級練團室排練樂曲時,所應該注意的幾個事項,看起來好像會有一些幫助,但事實上,最後還是會搞得雞飛狗跳、聲音根本糟透了!原因無他,因為一些非常基本的『足下』問題,我們還沒能好好地正視它。而接下來,我們就是想『怎麼來解決這些藏在細節裡的魔鬼』!在我認為,魔鬼之最的大魔王,應該就是我們『看起來好像懂、但其實…也不怎麼懂』的器材---『Mixer』!
[二. 認識現場的器材_01]~Mixer
一般說來,我們之所以選擇去外面訂練團室,而不是在學校的吉他社、熱音社的社辦,或自己的起居空間來練團,其實主要的器材差別,就是練團室會有Mixer可以把大家的聲音訊號都收進來,然後可以從一對大喇叭『轟』出來,把大家都炸得現在不知道是幾點的那樣---當然,我很希望在看過先前的文章後(https://www.facebook.com/rayhuang.guitar/posts/152441022030117 ),我們至少已經先知道,這樣的炸法不是太健康的---;但到底Mixer應該要怎麼正確地使用,才能幫助我們往更專業的方向前進呢?
我的建議是:不要從潛意識就害怕器材!其實所有人造的器材,都一定合乎人類的思考邏輯,所需要的,只是冷靜地思考一下『它為什麼這樣設計?』,然後在取用不盡的網路資訊大海,找到能夠幫助你理解問題的資訊,以及……一本使用手冊。
不過,我知道你一定不想閱讀那些手冊!所以,我們先冷靜地看一下這個關於Mixer配置的最簡易說明影片:
https://www.youtube.com/watch?v=MllvnQ6wMvA
所以我們現在在討論『Mixer』時,你已經知道我們其實是在討論『Mixer前端的樂器們』→『Mixer』→『Power Amp』→『Speakers』的這樣一整個揚聲系統了,而整個訊號流動的方向與過程,你可以把它想像成:『聲音訊號』(嚴格說來,應該是一種電力訊號) 像是一股『水流』,在好幾個『分段銜接起來的水管』中流動著,而這個想像,將會影響著你理解整個Mixer調整的概念。而在此,我們必須再進一步想像:Mixer本身的線路就是一個標準尺寸的水管(我們假設它是一個直徑3公分的水管),而最理想的訊號流動模型,就是這些分段銜接的水管都能是相同口徑的大小,讓直徑也是3公分的『水流量』,能夠一路暢快地從前端流向後端。
但,美好的事物在冷酷的世界裡總是很難存在的……
上面這個影片一開始就設定了三個物件想要串接到Mixer:麥克風、吉他與鍵盤,這除了幾乎涵蓋了我們在練團室所有會用到的器材種類之外,其實還有一個特定的意義:這三個物件分別代表了三種不同輸出的訊號大小,麥克風是『水流量』最小的Mic Level (我們想像它是直徑1公分的水流好了!),吉他是『水流量』略大於麥克風的Instrument Level (就假設它是2公分的水流),而鍵盤是『水流量』等同於標準尺寸的3公分水流---Line Level,你應該立刻就可以理解,鍵盤樂器的訊號會在Mixer裡流動得最暢快,而麥克風訊號會顯得有點兒沒力氣。我們以冬天洗熱水澡所要用到的熱水器來比喻,Line Level將會得到最好的熱水品質,而Mic Level會因為水流量不太足夠而使熱水器不太能正常發揮效應,以致於水溫一直提不上來。
在外面租房子的你,如果住得比較高,水流量比住一樓的同學要小,導致明明使用同一個型號的熱水器,卻在冬天無法得到相同溫度的熱水來暢快淋浴,這…應該是很機車的情境吧!
所以你會打電話給房東抗議!然後房東就會去裝一個『加壓馬達』,來改善水流不足的問題---這真是一個好房東!
也就是說,三種不同大小的訊號水流,為了要在Mixer裡得到同樣的『水溫』,你必須對比較小的訊號做一個『加壓馬達』的動作,而這個動作,在音訊器材如Mixer之類,我們是使用『Gain』(增益)這個設置,來做『訊號放大』(Signal Amplification),而理想的狀況是,將直徑1公分、2公分的水流直徑,都『放大』到標準尺寸的3公分,來使不同種類的訊號來源,都得到同樣的工作『水平』(Line Level)。
如果上面這些個解釋,你都還能在腦海裡勾勒出那些畫面,那麼,你就可以花一點時間,看看下方的這兩個影片連結:
https://www.youtube.com/watch?v=kxNDJE9ieU0
https://www.youtube.com/watch?v=tUO1_AwncnE
我們真的應該感謝製作這個影片的澳洲仁兄,他用了非常簡明的方式,示範了上述幾種不同大小的訊號應該如何在Mixer上使用Gain來調整到同樣的工作『水平』(Line Level);而透過這個影片,我們應該也就能理解為何全世界的音響工程人員在做『試Mic』的動作時,都喜歡用『Check! One! Two!』這個標準用語 (而且”Two”一定要加重語氣)了:因為他要找到會讓訊號破表(Clip紅燈亮起來)的放大極限,然後把Gain再稍微收小一點,以確保工作過程中,訊號不會有『失真』的狀況發生。
『失真』?那是一個什麼概念?
我們想像一下,如果你的房東給你加裝的是一個波音747引擎等級的加壓馬達,那個水流量將會強大到一開水龍頭,水流就將整個水管給撐爆了一樣;如果你的Gain將訊號水流放大到直徑4公分,你可以理解,直徑3公分的水管將無法運送所有的水,理論上會有直徑1公分差距的水『溢出』水管之外,這種『前端訊號大於後端接收』的現象,會造成聲音訊號出現一種『毛邊』的感覺,那就是一種『失真』的產生。
為了要讓聲音訊號飽滿而順利並且不失真地流動,我們除了希望所有的訊號都能正確地放大到標準尺寸的口徑,還需要學習另一個觀念:如果可以,請讓『後端的接收口徑不小於前端的訊號來源』,這個觀念,對於日後你進階到錄音的工作時,也可以做為一個重要的工作準則。
到這裡,我們已經對Mixer最重要的關鍵有了清楚的理解,接下來,有幾個工作步驟,我們可以分項來說明:
1. 當你進入到練團室準備開啓整個揚聲系統時,請:
a. 確認所有器材開關都是off的狀態---我是說『所有的器材』!
b. 將Mixer上所有的旋鈕、推桿都先歸零---意思是說:Gain轉到最小,EQ各個旋鈕都置中,『Pan』旋鈕置中,如果有『AUX』的旋鈕,先轉到最小;所有的推桿都拉到下方底部。
c. 將所有要串接上Mixer的訊號來源依序、按接頭形式正確連接上去。
d. 按照訊號流動的方向依序打開電源。這件事有多重要呢?它重要到…沒有人願意認真地記得它,所以我們的器材總是被電流的瞬間脈衝給破壞,所以我們在學生級練團室總是用到半損的器材!『按照訊號流動的方向依序打開電源』的意思就是:先打開你的器材端電源→再打開Mixer的電源→ (如果練團室的器材配置上有外接的空間效果器,請在這時候打開電源) →再打開Power Amp的電源 (在打開Power Amp電源之前,請先將它的音量歸零)。
在早期,製造商會把Power Amp與Speaker分別成不同的兩個物件,這樣的Speaker稱之為『被動式喇叭』,而喇叭本身是沒有開關的;近年來,製造商更喜歡將Power Amp與Speaker製作成合一的物件,這樣的產品,稱之為『主動式喇叭』。而整個最重要的順序,請記得Power Amp是要最後一個打開!
e. 依照第二、第三個影片連結,在沒有推出任何音量的狀況下,先依序調整Gain鈕,到正確的Line Level工作水平。
f. 將總音量推桿 (Master Fader 或 Main Mix旋鈕)推放到0dB的位置。
g. 將Power Amp的音量轉到置中的位置。
h. 配合練團室的空間大小以及實際需要,慢慢地將各個訊號軌道的音量推桿推放到適當的位置。在工作邏輯上,我們是使用這些軌道的音量推桿來做整個音樂呈現的樂器音量平衡,所以理論上每一個軌道的推桿應該會推放到不同的位置。
i. 因為我們有兩個喇叭來呈現Stereo的聲音場景,因此可以適當地調整『Pan』旋鈕 (向左若干或向右若干),來讓各樂器有不同的擺放,以協助訊號源的聆聽定位。 (相關討論可以參考這一篇: https://www.facebook.com/rayhuang.guitar/posts/157640818176804 )
j. 如果練團室的器材配置上有外接的空間效果器,它會以Send →Return的方式串接,而用AUX旋鈕來控制;針對Vocal或絃樂器類,如果必須用Reverb來潤飾音色,請在此時慢慢調整AUX旋鈕;不過,由於學生級的練團室常常遭遇到使用者用不正確的方式、胡亂調整了Reverb器材的參數,因此導致一打開AUX旋鈕就會造成麥克風瘋狂Feedback的慘劇,所以,在調整AUX的『量』時,請務必戒慎恐懼、小心再三啊啊啊!!!
k. 如果一切順利,這個時候我們終於可以好好練團了!所以~請打開你們的Click,好好地按表操課、完成你們的團練進度吧!
2. 當你結束團練、準備關閉整個揚聲系統時,請按照前述的開關順序、反過來執行!也就是說:將Power Amp音量歸零,關閉電源→將Mixer總音量歸零,關閉電源→將你的器材音量歸零,關閉電源。如果你很細心,其實也可以試著將Mixer上的所有旋鈕都歸零,以方便下一個訂班的使用者。其實~如果我們可以都能在各個練團室建立起這種『使用後歸零』的善良循環,那會是一件很酷的事情---而日本的所有練團室,這幾乎已經是一種基本禮儀了。
3. 當你要離開練團室時,請記得向這些器材說『謝謝!』---即便只是在心裡說,都好。
以上。
不過,有時候你所選擇的練團室,在揚聲系統方面的確已經有部份器材損壞,通常最容易發生的會是喇叭的高音單體燒掉了,你因此不論怎麼調整,聲音始終都不可能理想 (這來自不可考的某一個惡劣的訂班使用者殘忍地使用方式所致…)。我會建議在你的團練器材裡多準備一條訊號線,將你的行動裝置正確地連接到Mixer,在你的樂手們還在忙碌地接線過程中,選一首你很熟悉的音樂,用現場的揚聲系統播放出來,這個動作可以幫助你:
A. 迅速地檢查現場的揚聲系統有沒有不對勁的聲音。
B. 如果你的行動裝置音量置中,你可以以此做為依據,來判斷Mixer的總音量是否一定要推到0dB,而你們的練團音量,因此可以控制在比較理想的範圍裡。
而上述這些看似是在學生級練團室必要的工作流程,幾年後你進入到專業的錄音室,你會很意外地發現,幾乎你還會是做著一樣的動作;因為這些事情,本來就是一種專業的概念養成,此刻你所做的種種練習,都是在幫助你往專業更靠近一步。
這樣,不是很好嗎?
再一次,祝團練順利!
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