「一如漢密特簡短卻扎實的寫作風格,我們或許也能從那久遠的美國廣告文化理解霍普早期的創作。因為如此,霍普才會在八十多歲的職涯晚期被新一代的前衛藝術家視為是流行藝術的先驅,並大受歡迎。他終究還是擺脫了數十年來針對他的保守與守舊批判。
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儘管周遭不斷地有新的風格來來去去,霍普仍毅然決然地堅持著自己引人入勝的畫風,連攝影的出現都不是問題。他可以說正是衝著攝影而來的。霍普給人的感覺像是自信地認為,唯有畫家才能決定畫布上所呈現的事物樣貌。並扎扎實實地為畫中的世界鋪了石頭、砌了牆壁、上了柏油,再用玻璃罐封裝起來。他的海景畫近似於 René Magritte;他也是一名善於封裝現實的畫家,但手法不同於霍普,他將現實轉換成幻象,對霍普來說沒有什麼是幻象。除此之外,儘管霍普年輕時曾向印象派畫家學習,但之後的創作也不是走這個風格。他不想要溶解視覺印象,相反的他要強化視覺印象:不是流動的盛宴,不,是永恆的確認。對於畫中的靜物,霍普更像是敘述者,而非畫家。他不只捕捉了美國的表面形象,更深掘了美國夢、探索了裡頭表面與實際之間極端差距的美國困境。可能一部關於美國的電影巨作變包含了這些所有的問題,而每個問題都包含了不同的故事:
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旅館房間裡的人們辛苦地過了一天,某人深深地陷入了罪咎之中、沒有人真正地感受到家的溫暖、每個人都是庸庸碌碌;在鱈魚角白色房屋度假的情侶甚至從不將行李拿出來(霍普對此從不用特寫,與 John Ford 相同。)
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直到五O年代中期,美國人才真正地開始認識霍普。《時代》雜誌甚至為他做了封面專題:『這是美國寫實主義的新篇章,畫出了過去未被描繪的世界。』當時的美國社會正著迷於心理分析,因此幾乎所有的電影都與佛洛伊德和榮格有關。霍普於畫作中所描述的「現代都市人的寂寞」突然成了高度關注的主題,而卡繆與沙特等存在主義作家的作品就像是把他的畫作付諸於文字。」
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「霍普的創作剛好踫上了古典美國敘事電影的繁華時期,因此在觀察時,可以同時著眼於兩者,他經常以預期某事將發生或剛發生的角度描述一個地點,因此畫中呈現的是暴風雨前的寧靜,或激烈事件後的孤寂,例如〈加油站〉這幅畫裡剛為汽車加滿油的員工。這個畫面源自 Nicholas Ray 的《亡命鴛鴦》。
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古典美國電影的說故事人,例如 John Ford、Howard Hawks、Alfred Hitchcock、Anthony Mann、Nicholas Ray、Frank Capra 與 Raoul Walsh,多是在同樣兩三個類似的故事上不斷變化。而愛德華・霍普也是在寂寞的人麼、空盪盪的房間與無話可說的伴侶中尋找素材。這些作品的背景是城市不易看穿的假象,與其不友善、難以親近的一面。霍普的畫中常出現窗戶,但它們是指向外頭還是指向裡頭?答案或許因人而異。只是,那些窗戶似乎都沒有玻璃,因為沒有反射,他們也沒有單方面地阻止外頭的人看進來,或阻止裡頭的人看出去。
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無論裡頭或外頭,在霍普作品中都是同樣不真實的生活空間,並散發出陌生的氛圍。那些窗戶往往都是開啟的,而我喜歡的畫作,通常是沒有什麼其他主題,而只是表現窗洞本身。例如霍普完成於 1963 年與 1951 年的晚期作品〈Sun in an Empty Room〉與〈Rooms by the Sea〉。」
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「根據霍普的朋友所述,當他對於繪畫沒有靈感時,幾乎每天都會上電影院。在霍普的畫作中,電影院象徵了無憂無慮的時刻,〈New York Movie〉中的帶位人員在昏暗的影廳裡倚著牆,沈浸在自己的思緒中(播放的電影她已經看過無數次了);她散發出的沈著與平靜是霍普畫作中其他人物難以比擬的。從背景可以看見一部份銀幕上的黑白電影畫面,或許是 Howard Hawks 的《天使之翼》?這幅畫結合了霍普最常造訪的四個電影院元素,亦即海濱戲院(das Strand)、公共戲院(das Public)、共和戲院(das Republic)、皇宮戲院(das Palace)。為了這幅畫,他先前甚至以鉛筆畫了五十三福素描。喬在兩人的家中走廊當起了模特兒,為帶位人員擺姿勢,並同時身兼漆黑影廳中寂寞的電影觀眾:『為兩名觀眾擺姿勢,一個戴黑帽、白面紗,穿毛皮大衣;另一個戴咖啡色的晚宴小帽,亞麻領飾以羽毛。儘管兩個人坐在黑暗中,但若有燈光打在他們身上,一定會很顯眼。』雖然霍普『執導』並發明了他畫作中的每個小細節,但我還是驚訝於他探索該地點該場景的『真實』感。依據喬於日誌中的敘述,霍普會多次重返現場,僅為了研究門簾上的皺褶與椅背上的光線反射。
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從霍普的畫作可以明顯看出,他相當為電影院與白色銀幕著迷,像是他在工作室經常面對的白色畫布,即是他的好友同盟。他為所有事物都描繪了具體的形象,並賦予了具體的位置,透過將事物捕捉到的白色平面來克服空虛、焦慮和恐懼:這便是他的作品與電影院的共通之處。這讓霍普成為他畫架銀幕上的偉大說故事者,與電影銀幕上的偉大畫家並肩齊驅。」
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——〈美國夢圖集:愛德華・霍普〉
收錄於《#溫德斯談藝術:
塞尚的畫素與觀看藝術家的眼光》文溫德斯
https://bit.ly/2Swd0mr
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#讀大師談論大師真是一大享受
#你最喜歡的一幅EdwardHopper作品是什麼呢
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【 PHOTO TALKS 2020 S2:「農|易」的日常 】
「農」:在農家成長的創作者,或跟農業相關的日常影像。
「易」:變化。透過破壞、重組、重構影像,使影像脫離平面維度,朝向立體化的雕塑、物件或裝置發展,拓展觀者新的感知體驗。
我們如何思考當代的日常?17世紀的荷蘭靜物畫開始將平凡無奇的事物,例如水果、食物、器皿等物件引入觀者眼中,相較在歐洲其他地方的繪畫,仍普遍受到史詩或宗教題材所限。它挑戰了繪畫傳統的「題材先決」,將日常瑣碎事物以藝術家的眼光引入創作。而靜物畫也不只是鏡像般複製現實,更多是反映藝術家對萬物的深入觀察或是對生活的深刻思考。
到了當代,我們該如何思考那些被大敘事或熱門議題排除在外的「日常」?而農家生活、農作物、紙箱等日常,又是如何攪動當代藝術的大敘事?在荷蘭平面靜物畫傳統的參照下,當代的影像創作脈絡在台灣又產生了什麼新的變易或轉化?
本次的Photo Talks邀請了「走路草農藝團」以及許韋晨,共同以影像創作的脈絡出發,討論「日常/藝術」、「平面/裝置」、「接地氣/抽象概念」的界線流變。走路草農藝團的創作者皆是農家背景的子弟,他們透過治本於農的方法,觸及環境、性別等問題。許韋晨則是運用水果或物件作為影像素材,將影像肉身化,以解構、變形、重構等方式將影像以混雜方式呈現。
如同荷蘭的靜物畫一般,影像在這些創作者眼中也不只是現實的再現,更多是對生活的敏感與觀察。而他們同時也擴延了靜物畫的平面維度,將日常轉化成雕塑、物件或空間裝置,邀請我們共同以新的角度再次感受日常。
7月3日(五)晚上7點半,歡迎大家來參加此次Photo Talks,一同來了解、思考這些創作者另類的日常實踐。
【 講者介紹 】
✦ 走路草農/藝團 Walking Grass Agriculture
農/藝 農—藝 農藝 農|藝 在農事與藝術之間 有各種可能性
主要創作成員為陳漢聲與劉星佑,來自新媒體藝術與藝術史背景,強調駐地體驗與觀察,對於民藝的學習、遷徙與生成充滿興趣,結合地誌學、考現學與物質文化的研究,轉化農事經驗,形塑自己的藝術方法。近年來關注生態環境、都市變遷與性別議題。
🙋♂️ 劉星佑
熱愛第一代神奇寶貝,熟悉庫洛牌使用方法。對明清書畫格外有感,追索浙派之餘偶爾臨摹碑帖,重視養生與抗老化。情有獨鍾蔡明亮的歌舞電影,真理就在對嘴高歌的「心印」之中。目前關注電影、數位媒體影像的跨領域特質,挑戰該跨領域特質「作品」的書寫,嘗試賦予古代書畫當代詮釋,努力朝策展與藝術評論方向前進。
🙋 陳漢聲
害怕藝術理論,邊做手工藝的時候追劇讓人很安心,浮誇古裝劇既是逃避也是面對當代藝術的好方法,每週必看唐國師週報,標準雙魚性格。學習過程從平面設計、動畫創作到當代藝術,目前碰觸各種工藝技術,更好奇工藝技術背後的文化脈絡與個人生命故事,自2015年,畢業於台北藝術大學新媒體藝術研究所後,嘗試結合動力裝置與數位媒介,試圖在過程中,思考自然與人工之間的辯證問題,也叩問當代藝術與工藝的邊界。
✦ 許韋晨 Ishtar Hsu
作品多為無意識的材料破壞、顏料潑灑、黏貼重組或再次翻拍導致圖像扭曲變形,看似荒謬的行為,卻是不斷揣度美學框架的自問自答,堅持不刻意擺設靜物,抱持單純的心情面對生活中所能遇到的物件,日復一日,誠實地以雙眼提問、下意識拍攝、剪開照片或伸出指頭戳入被拍攝體內,手機與掃描機是Ishtar Hsu的素描筆,最初以Instagram作為素描本的靜物練習,近期緩緩摸索平面影像到成為物件的過程,拍攝的是靜物,所做的,也是靜物。
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【 Photo Talks 2020 S2:「農|易」的日常 】
講者|走路草農/藝團、許韋晨
主持|沈柏逸
時間|2020/7/3(五)19:30
地點|Lightbox 攝影圖書室(台北市羅斯福路三段269巷19號 )
入場|19:00 開始自由入場(免費參加,歡迎自由樂捐)
Slido|#00703
參考資料|
走路草農/藝團 Walking Grass Agriculture
許韋晨 Ishtar Hsu:https://ishtarhsu.com/
備註|
1. 本場活動會進行直播
2. 場地位處巷弄、地址複雜,循門牌而來很可能會迷路,歡迎參考網路地圖,或官網的「位置」頁面:www.lightboxlib.org/location
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淺談城市速寫
「速寫」(sketch)在藝術詞典的解釋是「作品或作品部分的粗略草圖」,是藝術家對光影構圖和全幅規模等要點所做的研究探討,是全幅圖畫的初步構圖。早期在照相術尚未發明前,速寫是幫助藝術家觀察自然,捕捉畫面作為作畫資料的媒介,許多藝術作品中的動作、神態,是無法憑空想像出來的,因此當時的藝術家倚靠數量豐富的寫生素描習作,去觀察、記錄生活中的形象,就像是創作素材的資料庫存。即使到了近代已有了相機的發明,許多畫家仍是選擇在大自然寫生,並將寫生畫稿重新組合再造成大幅的作品。
而現今「城市速寫」與早期的「速寫」(或稱手稿),兩者的功能性與對象性略為不同。在功能性來看,速寫早期作為藝術家的構圖草稿資料,在城市速寫中則成了速寫人記錄城市的「作品」,這樣的「作品」風格多元,有的繁複多彩,有的寥寥幾筆,但對於速寫人來說都是一種生活的記錄方式,而紀錄的結果也不一定會再作為草稿運用,已是最終的完成畫面。在對象性來說,早期主要是藝術家,而現今則鼓勵一般各行各業未經過美術專業訓練的素人來參與。
西雅圖的加百利.坎帕納里奧(Gabriel Campanario)在2008年創立了「Urban Sketchers」(城市速寫人)社群。此社群為透過網路與各地的畫友分享作品與畫家自身生活體驗。
加百利.坎帕納里奧亦在其著作《The Art Of Urban Sketching手繪城市》中提到城市速寫人宣言為:
1.我們在室內或戶外速寫繪畫,捕捉我們直接觀察的事物。
2.我們的畫作,訴說周圍的環境和我們所居住及旅遊的地方。
3.我們的畫作是時間和地點的忠實記錄。
4.我們如實的記錄我們所看到的景象。
5.我們不拘任何畫材工具,並珍惜個人的風格。
6.我們相互支持和鼓勵群體繪畫。
7.我們在社團上分享我們的作品。
8.我們向全世界展示,一次一幅畫。
此宣言主要希望把寫生當作一種業餘愛好,純粹為了樂趣,希望大家在現場作畫,以自己的風格記錄,同時透過網路與人分享。
城市寫生,相較於結果,更關乎體驗。將城市速寫這樣的行為模式內化為生活的一部分,並且在平時的旅途中保持這個習慣,如此不僅可以畫下眼前的事物,對於當下環境感觸及記憶也會更加強烈。
速寫的特點與照相的不同很大的要素在於「速度」,照相捕捉畫面只需些許的時間,但若是以繪畫的方式記錄,則須花更多的時間觀察眼前的細節,同時也因停留的時間增加,對於現場的環境記憶也更加強烈,這是照相所無法賦予的。
台灣近年在「臉書」(Facebook)上也陸續響應,目前計有速寫台灣、速寫台北、速寫基隆、速寫桃園、速寫埔里、速寫台中、速寫風城、速寫雲林、速寫彰化、速寫台南、速寫高雄、速寫屏東、速寫宜蘭、速寫林口、速寫金門等十五個網路速寫社群成立。(統計至2018.3.16)
此類速寫社群有別於傳統的美術畫會,強調不以作品美醜論斷好壞,重點在於「以自己的風格記錄生活,並且透過網路共同分享」的生活態度,鼓勵人們放慢腳步,觀察身邊的人事物。而創作的方式也與普遍印象中的「寫生」有些許不同,過去的寫生方式較多是背負多樣的畫具、畫架,在定點長時間完成單一件作品。而城市速寫最大的不同是以「走畫」的方式,也就是漫遊在街道中,當瞥見有趣的畫面便停駐作畫,時間約莫1至2個小時內,便起身繼續前進,這樣的過程除了作畫之外,也重視與環境相處的當下感受。
其網路速寫社群運作的方式,是由一位使用者擔任發起人提出申請,成立一個網路上的虛擬社群,此社群可供追蹤社群資訊的使用者分享自己的作品,社群每月不定期舉辦一次(或數次)繪畫的聚會,地點選擇於該地區的景點,參加者不需付費,只需自發性的在公告的時間至該地點周圍繪畫,並於結束後至指定集合地點集合,與其他畫友分享畫作並合照即可。參與的人員亦無資格限制,活動目的是希望透過這樣的交流提升大家對於繪畫的喜愛,同時也傳遞Urban Sketcher的精神。
筆者回想過去美術專業的學習過程中,學校鮮少強調速寫的重要性,一方面是因為當時城市速寫這樣的繪畫風氣並未風行。但當筆者接觸了城市速寫之後,再反思過去的美術教育,認為這樣的速寫習慣及能力是值得培養的。以筆者學習歷程為例,過去除了課堂上的靜物練習,以及面臨畢業展的創作之外,平常很少會動筆畫畫,造成了一種「只重作品不重習作」的學習模式,而創作方式也較多以相片作為參考資料,對於現場寫生的能力培養及膽量十分薄弱。
孫建平也在其著作《大師的手稿》中提到自己教學的經驗:
「我們以往學院教育最大弊病就是,念了幾年科班,只學會照抄對象,只會刻畫具體的人頭、人體或自然景物,而不能自如地組織自己理想的畫面。所以我總是希望我的學生掌握經營畫面構圖的能力。我非常理想主義的希望我的學生都隨身帶一個小本子,裡面密密麻麻地記滿自己的探索過程。」
藝術創作並非只為了最終的作品呈現,過程中的習作也是相當重要,速寫能訓練創作者「眼、心、手」的協調關係,看到畫面後如何在心中內化,最後透過畫筆將心中的畫面呈現,這一連串過程需要透過大量的訓練與思考才能轉化到作品畫面上。另外,城市速寫除了對美術專業的人相當重要之外,對於未接觸美術專業訓練的素人也十分重要,因爲城市速寫講求的並不是好或壞,而是如何用自己的方式記錄眼前的畫面。就如同孩子一樣,孩子未接受過專業訓練,卻敢在畫面上大膽地揮灑色彩,從中找到快樂。速寫人若能透過繪畫重新認識城市,感受到城市的美好,這才是城市速寫真正想傳達的精神。
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