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《殘缺的彩虹》

我伸手推開咖啡店的厚重木門，繫在門上的一串風鈴隨即叮噹作響。

甫踏進店內，我便開始後悔——我根本不應踏足有你在的城市，更不應再闖進你的生活。沒錯是聽舊朋友說過你早年移居到台灣創業，但我完全沒料到會在此時此刻跟你重遇，就在一間我和伴侶剛巧停歇的宜蘭小店裡。看著我推門而進的瞬間，你的心又有沒有片刻的悸動？

我悄悄地鬆開原本牽著另一半的手，走到一個較偏遠的位置坐下來，你也刻意迴避我的眼神，似有共識地沒有前來跟我相認。吧台上的復古收音機傳來睽違已久的熟悉嗓音，電台正播放著陳綺貞的最新單曲——《殘缺的彩虹》。

「這一次 我不想要一個人走
回去的路 總是背對彩虹
沒有你 我是殘缺的彩虹
失去一個最重要的顏色」

我曾經以為，自己心中的某個部分早已在七年前死去，被活埋在我和你相識的那片自由的樂土裡。但如今一首新歌、一個舊人，竟讓那沉睡已久的靈魂倏地甦醒過來。

「想要聽你說 你都怎麼過
你現在好嗎 你微笑點頭
想要聽你說 快樂多過憂愁
想要聽你說 卻發現你在騙我」

一首歌的時間，腦海中飛快閃過一段靡爛但快樂的時光，那段我和Vincent還在一起的時光......

我叫Ashley，生於一個典型的中產家庭，自小在傳統名校唸書，一直是個循規蹈矩的模範生，放學後的活動不是補習班就是興趣班，到了週日便要跟隨父母到教會參加崇拜。我的生活枯燥乏味、千篇一律，直至意外地遇上了他。

我在Year 2那年首次搬離家中，隻身遠赴荷蘭Exchange，很自然的結識了一群同樣來自香港的留學生，我和Vincent就是自那時開始在朋友聚會中定期碰面。

他長著一張混血兒的臉，深邃的眼眸總讓人看不透，單看他的衣著打扮，也猜不出他原來是個修讀哲學的浪漫文青。於他而言，耳環就如眼鏡一般的存在，一旦忘了配戴便覺渾身不自在；髮泥就像男士的粉底液，Gel頭與化妝都是基本的禮儀；星羅棋布的紋身是他的獨有記號，他說過假若手上的掌紋能揭示我們的未來，那麼刻在身上的刺青就代表著一些難以忘懷的過去。他可以忘記帶電話或銀包出門，但書本與香煙卻是他必備的隨身物品。

我們其實是兩個世界的人，但我愈是努力迴避他，他就向我愈走愈近，最後接近到一個沒有任何阻隔的親密距離。

「這一次 你陪著我 兩個人走
回去的路 回頭就有彩虹
沒有你 我是殘缺的彩虹
哪裡去找 最重要的顏色」

我想我這一輩子都不敢再重遊Amsterdam了，因為與他的回憶已深深嵌入地圖各處，甜蜜的、苦澀的、辛辣的，全都化成了不能觸及的禁忌與痛處。

某次與他單獨約會，他帶我去了一間紅燈區內的地道Coffee Shop，我才發現荷蘭的「咖啡店」不賣咖啡，只售大麻。最初我不敢亂點什麼Weed或Hash，他就買了一個Space Cake陪我吃，其實它的味道、藥效真的不怎麼樣，當時我只顧著看他的臉，著迷地聽他說著笛卡兒與伏爾泰。比起大麻，或許他才更令我上癮。

Van Gogh Museum是我們在週末經常流連的地方，如果只是到訪一兩次的話，實在難以仔細看畢館內的四層展品。我們習慣在每幅真跡面前駐足良久，各自分享對畫作的見解，最激烈的那次討論莫過於站在《Gauguin's Chair》油畫旁，臉紅耳赤地爭辯梵高與高更的關係。

到底他們純粹是互相賞識、後來分道揚鑣的藝術同好，抑或是互生情愫、最後因愛成恨的同性密友？就像我們之間撲朔迷離的感情一樣，有些謎團總是無法被外人拆解，只有曾經住在阿爾勒那間黃色屋子裡的人才會知道事情的真相。

在參觀Anne Frank House前的空檔，我們曾並肩坐在Prinsengracht的運河旁，邊看著Canal Parade的一艘艘遊船經過，邊拿起畫筆即場寫生。掛在船上的彩虹旗幟自由地隨風飄揚，遊行隊伍沿途接受群眾的歡呼與祝福，人人臉上溢滿了幸福的笑容，當時的他也突然扔下紙筆，忘形的把我擁入懷中，留下了一個熾熱的吻。

一直匿藏在書櫃門後的封閉世界，我與安妮法蘭克的願望卻剛好相反——櫃門被打開的一天，才是我們重生的日子。

回顧那半年的異地生活，其實一切就如在Coffee Shop或Shisha Bar裡吞雲吐霧的情景，記憶沉沒在一片煙霧繚繞的迷濛之中，殘留的景象只剩下一個難忘的身影。

直到後來，有次他趁著假期回港跟我見面，卻被我的家人在無意中發現了我們的關係。經過一輪爭拗與冷戰，我終究還是抵受不住家庭的壓力，決定要跟他分開。我在這邊開始了另一段關係，連自己都給瞞騙過去，再跟他撒了一個無情的謊。就這樣，我們自此封鎖了對方的所有帳號，斷絕了一切方式的來往。

我寧願他恨我，也不願他對我再有任何眷戀，我知道我們根本沒有將來，就讓過去的一切停留在阿姆斯特丹吧。

「想要聽你說 你都怎麼過
你現在好嗎 你微笑點頭
想要聽你說 快樂多過憂愁
想要聽你說 卻發現你在騙我」

歌曲播放到後半段時，我從店員手上接過了餐牌，封面用上《Café Terrace at Night》的剪影，原來你開了一間以梵高作品為主題的咖啡店。從前未有認真看過你為我親手沖泡咖啡的模樣，這是頭一次，大概也是最後一次。

你慢慢將咖啡粉一勺勺舀出，用填壓器把粉末壓平，純熟地將手柄旋動鎖進咖啡機，萃取出兩杯精準的單份濃縮咖啡，再用蒸氣棒將牛奶打成細緻綿密的泡沫，最後舉起你那如畫布般滿佈油彩的臂膀，傾斜鋼壺讓奶泡注入杯中......

店員捧著木盤端來了兩杯飲料，未婚妻點的《The Starry Night》是一杯以蝶豆花調配而成的夢幻星空咖啡，我點的那杯則是店內推介的特調Latte。馬克杯的杯身印有梵高的一幅自畫像——《Self-Portrait with Bandaged Ear》，杯耳的設計是一隻立體的耳朵，咖啡湖上浮泛著一片落葉。

遠看之下，那只是一般的拉花圖案，但當我準備舉起咖啡杯，看到那近似楓葉的形狀、鋸齒邊的線條，我才認出那是刻在你右肩的圖騰。我們曾經都是彼此的Marijuana，如此難以戒掉，愛得不能自拔。

「想要聽你說 你都怎麼過
你現在好嗎 你微笑點頭
想要聽你說 快樂多過憂愁
想要聽你說 想要聽你說」

想要聽你說，但我始終沒有開口。

就在我和未婚妻準備離開時，你以店主的身分送我們到門前，那對深邃的眼眸再次迎上我的目光。一句沉重的再見、一個淺淺的微笑，已勝過千言萬語。

「想要聽你說 你看見的光 是我」

我伸手推開咖啡店的厚重木門，繫在門上的那串風鈴又一次叮噹作響。咖啡的香氣與餘韻久久不散，我走進暮色之中，準備迎接一個無眠的夜。

【如果你來，泡茶招待】◎張曼娟
　
與那個朋友十年沒見面了，上次見面時，我們都還年輕，在她的大稻埕工作室裡，我張大眼睛，看著她的纖細手指，揣想著她如何摶捏出那些奇麗的人物和圖騰。然後，一個轉身，我們開始四處飄泊，各自經歷。再然後，我又坐在她的面前，看著她，孩子臉的中年人，一點都顯不出年齡。大稻埕沒什麼改變，仍是陌生的，下雨前的陰冷天氣，我隨著她走上窄窄的樓梯。她已經準備了糕點，茶几上一株含苞的粉色玫瑰，正是我一直憧憬卻永遠無法俱備的藝術家的美感生活。放上精緻的杯子與碟子，她端出一壺熱茶：「怕妳不能喝咖啡，就喝茶吧。」沒錯，我確實不能喝咖啡，立即感受到一種體貼的溫情，彷彿已貯藏十年，此刻開封，醇香四溢。　
　
茶的感覺，其實很像朋友，不會造成太大的刺激，卻能引起興致。　
　
我最初對於茶的印象，是在搖搖晃晃的火車上，童年的鐵軌，濕暗的山洞，長長的鳴笛。座位旁掛著兩只玻璃茶杯，裡頭裝著乾燥的茶葉，觀光號小姐提著大熱水壺緩緩走過來，熟巧的一手掀起杯蓋，另一只手上壺嘴一傾，熱騰騰的滾水便像噴泉似的直直注入杯裡，一滴也不外濺。浸蒸在熱水中的茶葉滾動著、掙扎著，片片舒展開來。小孩子的我們隨身攜帶水壺，並不喝這些茶，可是，那儀式讓我著迷。
　
最後一次看見這樣精彩絕倫的表演，是在大學畢業旅行的阿里山小火車上，五秒鐘的一場演出，我和同學們全部激動起來，大聲的鼓掌叫好。那樣震耳欲聾的歡呼裡，有著青春時期對於一切新奇趣致的讚歎，並不知道將成為絕響。　
　
第一次我失眠，為的不是愛戀，而是茶。
　
住在以茶聞名的貓空山腳下，朋友來訪總是順口一句：「上山喝茶去吧。」一小杯一小杯鐵觀音，剛剛沖泡出來，濃濃的甘香，金黃色的茶湯，不小心喝多了，那個晚上怎麼都睡不著。後來和朋友聊起，他說他也沒睡好，早知道應該通個電話約一約，我問他約到哪兒去？他說，上山喝茶啊。原來，茶也能成癮。
　
我喝過最特別的茶是在杭州，都說龍井好，關於龍井的傳說也特別，必然是清清秀秀的十六、七歲小姑娘採擷最幼嫩的葉片，才能得天地間鍾靈之氣。不夠清秀的連採茶也不行，就喝茶吧。龍井葉片是細長的，泡在熱水裡都豎立起來，像許多小小的風帆。茶湯的顏色淡一點也混一些，喝進嘴裡，竟然有著雞湯的味覺。　
　　　
從小我不愛喝紅茶，因為茶湯的顏色太深黝，味道也澀。直到唸碩士班那年，到一位老教授家裡上課，老師鶴髮童顏，是清末的留學生，當年據說由書僮陪著出洋的。他的家裡全是高大的書櫃，擺滿了書。老師很有些歐洲紳士風，有時一邊上課一邊啜飲白蘭地，他認為文學創作的價值很高，必須先有創作，才能有研究。在那之前，受到系裡某些老師的扼抑，寫作的衝動宛如原罪，我只能盡量躲藏，不敢恣情任意。我安靜地聆聽著他對於文學的崇高信仰，並在他的信仰裡獲得安慰。老師的女兒總是為我們準備點心，並沖泡一壺紅茶，那是我第一次聞到立頓紅茶的甜香氣味，看見那樣美麗的紅色茶湯。我常常搶著斟茶給同學們喝，為的是反覆嗅聞它的氣味，我慢慢嚥下茶湯，感覺一點不苦澀的厚醇。我在書堆之中、茶香氣味裡，漸漸肯定了自己的創作，是一件有價值的事。　
　　
和我不熟的人，會說：「我煮咖啡給妳喝吧，手藝很棒喔。」我只能苦笑。和我相熟的人，便會說：「如果你來，泡茶招待。」我立時有了雀躍的心情，開始想像一次美好的歡聚。

所謂大師。

【音樂節序：音樂大航海仍在進行中 】　作者／黃大旺

　　從2015年11月初開始，在台北不同場地接連舉行的「第一屆台灣國際即興音樂節」，在台灣的表演藝術類節目中即使不是破天荒的頭一次，至少已經是勇氣可嘉的大冒險。作為演出的第一彈，主辦單位邀請了德國著名的長笛演奏家馬克‧阿班‧若茲（Mark Alban Lotz）吹奏兩種長笛、一隻短笛（piccolo）以及印度竹笛（bansuri），先舉行工作坊，再與台灣即興樂圈兩大怪物─薩克斯風手謝明諺與鋼琴手李世揚「對決」。若茲的即興演奏經驗相當豐富，不僅在於爵士的領域，更多超越爵士範疇的即興，故在此借題發揮，略論什麼叫做「超越爵士範疇的即興」。其實說穿了沒有多麼了不起，只是許多人聽到即興都只會想到爵士樂，想到爵士樂就聯想到都會夜生活，想到都會夜生活就聯想到紅酒，想到紅酒就想到生活情調，於是爵士樂就變成了生活情調與優越品味的代名詞，在台北成為一種小資階級與音響發燒友的浪漫禁臠，放諸四海都顯莫名其妙。

　　顧名思義，即興演奏就是不靠視譜，也不靠記譜，完全從第一個發出的聲音開始，以自己的即時想法開枝散葉「即時作曲」的演奏型態，聽起來可能跟亂敲亂打很像，但是合乎定義的即興演奏，在亂敲亂打之中，多半存在著自己的規則，即使沒有讓聽者習慣的四四拍子和十二平均律，都還能找得出演奏者的思考脈絡。與其去理解背後的意涵（有些錄音或演奏，演奏者會以文字說明），不如用心去感覺，即使未必是享受，但只要敞開心胸、放下成見，即使不是那麼浪漫、優質、高品味的雅痞音樂，都具有自己的血肉與靈魂。

　　其實即興表演的能力，早就根植於人的情感表達能力之中，只是後天的各種行為制約、道德禮教不允許我們這樣做。一開始，音樂與舞蹈還不是為祭典、儀式服務的表演，打擊樂器與笛類、弦樂器是依照經驗逐漸改良，才有了我們認識的樣子。各種音樂形式，乃至於中世紀黑暗時代歐洲的吟遊詩人，還是絲路綠洲都市賣藝的樂手歌手，除了細心準備表演內容以外，也必須要有一些即興，才能得到觀眾的打賞。

　　而且在莫札特、貝多芬出現之前的古典音樂，尤其是文藝復興時期前後的古典音樂，由於樂譜的不發達，以及對於歌唱的偏重，樂手依照主旋律即興演奏和音，乃是司空見慣之事。後來有類似協奏曲與奏鳴曲等型態出現，獨奏的裝飾音（cadenza）往往需要即興演奏（記譜法發達以後，才有作曲家或演奏家譜寫裝飾樂段）。再者，根據音樂史紀載，莫札特與貝多芬等大作曲家，都很擅長即興演奏，或是以即興演奏發展作品。十六世紀住在義大利的西班牙作曲家奧提斯（Diego Ortiz , c.1510 – c.1570），就曾經在羅馬發表《古大提琴演奏之裝飾論與變奏論》（Tratado de glosas sobre cláusulas y otrosgénéros de puntos en la música de voilones nuevemente puestos en luz, 1553），不僅提出了許多主題裝飾變奏的譜例，更透過里切卡爾（ricercar）這種更複雜的旋律，開拓了即興演奏與作曲的可能性。到了十八世紀以後，為古典音樂奠定重要基礎的莫札特或貝多芬這些人，其實都以即興演奏聞名於世。

　　提到中國，漢人最具代表性的即興演奏是古琴。無關於江南貿易都市名商巨賈的風雅，古琴有譜可以參考，但不是最理想的記譜法，彈奏者可以知道左右手的位置，如果沒有老師帶進門，或是參考錄音可以記住，光憑臆測速度，是很難彈成一首像樣的曲子的。尤其聽者的想像力豐富，光是看人操琴就覺得好有品味，左手按絃或顫音的細部動作，以及古琴特殊的擦絃聲（小音量樂器，故需要極端安靜的環境），再加上房內的薰香（什麼時候開始的？），由操琴者及時判斷的部分，往往被聽者忽略；古琴音樂的欣賞，如果沒有演奏者或解說者的引導，很容易就成為紫砂壺、沉香、七子餅之類的風雅，大爺說一句，你就模仿一句；沒有了大爺，你什麼都不是。

　　到了二十世紀，既然在作曲技法上有了更長足的進展（由白遼士到印象派，由華格納、馬勒到荀白克、魏本與貝爾格，由穆索斯基到史特拉汶斯基……由有調到無調），古典音樂就已經不再是那些什麼「春之聲」、「藍色多瑙河」、「維也納森林的故事」了。巴黎音樂院教授奧立維耶‧梅湘（Olivier Messiaen, 1908 – 1992）的另一個身分，是巴黎聖三一教堂的管風琴司琴；他在鋼琴與管風琴的即興演奏中，大量模仿了各種鳥類的鳴叫聲，這些即興演奏留下的旋律，也被引用於他的許多作品之中。義大利貴族後裔，「頻譜樂派」（école spectrale）的精神導師─賈沁托‧謝爾西（Giacinto Scelsi, c.1905 – 1988）使用鋼琴與早期的電子合成器（主要是ondioline）即興演奏並錄音，並交由其他的作曲家採譜完成各種配器的作品，多半由一個單音發展成為密集而高動態的音牆；這樣的作曲流程，對於日後以更進步技術分析聲響，並且譜成聲音色澤豐富作品的作曲家，帶來的啟發可說非常深遠。出身自前蘇聯韃靼共和國，拜師於蕭士塔高維契的女性作曲家索菲亞‧古拜都琳娜（Sofia Gubaidulina, 1931 - 　），也曾經在一九七○年代，與志同道合的另兩位作曲家維克多‧蘇斯林（Viktor Suslin, 1942 - 　）、瓦切斯拉夫‧阿爾徹莫夫（Vyacheslav Artyomov）合組融合各種民族樂器與人聲的即興合奏團「阿斯特亞」（Astraea），錄音作品屈指可數，在二手唱片市場上千金難求。

　　新大陸的古典音樂，不僅從美國民謠或黑人靈歌取得經驗（蓋希文；柯普蘭），還有更加挑釁的即興演奏。來自法國，歸化美籍的瓦雷士（Edgard Varèse, 1882 – 1965）的曲風，一則完全無視調性與音列，二則旋律好走不等拍，三則導入各種特別的編制，比方說全打擊樂編制、手搖警報器、倒吊在半空中的鼓（以濕布上下摩擦栓在鼓皮正中間的竹棒發出聲音，巴西傳統樂器cuica），乃至於電子音響、預錄磁帶，在他的作品中都習以為常。一九五七年三月至七月，瓦雷士與包括約翰‧凱吉（John Cage, 1912 – 1992）、現代音樂理論家詹姆士‧譚尼（James Tenney, 1934 – 2006）、「開放形式」代表厄爾‧布朗（Earle Brown, 1926 - 2002）等當時美國最前衛的作曲家，以及一群前衛音樂的愛好者，請來了包括低音提琴手查爾斯‧明格斯（Charles Mingus, 1922 - 1979）、小號手亞特‧法默（1928 – 1999）等當時活躍的爵士樂手，進行一種特別的嘗試：在完全沒有樂譜的情形下，由瓦雷士本人「指揮」即興演出，並且把這些無調性、無節奏的和聲錄下，放進日後的電子音樂作品中。作為一種完全原創的音樂類型，自由即興的精神就是不斷開創未知領域；瓦雷士也曾經因為作品難以被當時的觀眾理解，而在首演時接受音樂廳滿場的噓聲與謾罵（《沙漠》﹝Dèserts﹞一九五五年巴黎首演，薛爾亨指揮合奏團）。同一時期，想要追求音樂上突破的爵士樂手們，也不再滿足於既有的各種形式。薩克斯風手查理‧帕克（Charlie 'Bird' Parker, 1920 – 1955）一度想要拜師瓦雷士門下，當瓦雷士完成了上述《沙漠》的巴黎首演回到紐約，帕克很可惜已經飛向彼岸。同樣在紐約的薩克斯風手奧內特‧柯曼（Ornette Coleman, 1930 – 2015）也企圖在爵士樂中加入更多當代音樂的元素，最後造就了他自由爵士一代宗師的地位。一九四九年，雷尼‧崔斯坦諾（Lennie Tristano, 1919 - 1978）與弟子們的六重奏，在紐約嘗試六人同時即興演奏，成為自由爵士過早開放的一朵奇花；一九六○年代美國的爵士樂日趨複雜，火花飛散到歐洲，更形成了歐洲自由爵士的百花齊放，乃至於東歐國家如東德、波蘭或立陶宛，都曾經舉辦自由爵士與即興演奏的國際音樂會。

　　即興演奏不僅講求腦筋動得快，也要讓自己發出來的音色與其他樂手調和。台灣古典鋼琴界的叛徒李世揚在2012年冬至與法蘭德斯資深鋼琴家佛列德‧凡霍夫（Fred van Hove）於台北市中山堂光復廳的現場演奏，兩人的平台鋼琴對置，並且將共鳴響板拆除，周圍的觀眾都可以看到演奏雙方的細微動作。這場台灣少見的鋼琴決鬥，光看照片會以為是兩個調音師傅在比誰調音快，在當時的演奏中，實則包含了非常豐富的音響對位與和聲；再加上「預置鋼琴」手法的充分使用，充分擴增了鋼琴演奏更多的可能性。據說即興演奏在歐洲，不但已經成為演奏廳常見的節目，還有不少幼兒園或是安養院，會把即興演奏排進例行節目表。

　　第一屆台北即興音樂節除了上述的洛茲與台灣即興演奏家合奏以外，還有董昭民老師與荷蘭特殊歌唱家馬克‧凡‧佟赫仁博士（Mark van Tongeren）的論壇（詳見節目資訊，以下同）、荷蘭人聲藝術家亞普‧布隆克帶來的聲音即興表演（受到包浩斯主義建築師Kurt Schwitters啟發，拆解語言要素成為類言語人聲）、本土樂手與海外來賓的交鋒，最後的壓軸，則是來自瑞士的木管演奏家漢斯‧柯赫（Hans Koch）與電子音響操作者湯瑪士‧彼得（Thomas Peter）的二重奏。這一連串的即興演奏音樂會，既不是沒有樂譜就可以胡作非為，更不是拿到樂器就可以亂吹；在聲音中音樂的輪廓可以變來變去，甚至會帶給人聽爵士樂的感覺，但就如同節目名稱所述，今天不是來跟你們講爵士樂的，我們在音樂的探測船上，探索前方未知的目標。