一顆大西瓜，切成一半，一半送給你，一半送給他（下） by 雙人徐
一顆大西瓜，切成一半，一半送給你，一半送給他⋯⋯我們看習慣了那些在公園裡打太極的叔叔，不覺得公園裡練拳運動的人有任何奇怪，看多了媽媽排舞也就理解他們當中誰跳得好，對於公共場所裡的表演人，一開始會好奇，也許在想：「這些婆婆媽媽此時此刻怎麼做到“拋家棄子”來到廣場？」，一旦習慣了，我們就也不會只關注她們的多采多姿的舞衣或身材。不論決定單獨比劃於天地間，抑或集體扭擺在節奏裡，他們都展現了年長者無比的自在，就像年輕人在地下道排練街舞，旁觀的我總相信，這種半公開表演場合的活動，也挺助於身心健康。所有公領域空間的分配運用，來自我們社會裡的默契所允，在日常生活所需的交通運輸之外，這城市仍充滿運動的活力，在勞心勞力的工作之外，我們對生活有另一些期待，藉由身體與空間的互動，得到身體該有的快樂。有人挑戰101爬樓梯，有人一日雙城環島自行車，每天都有人在公領域嘗試新的身體挑戰，最近在台灣日月潭伊達邵水域，也第一次承辦了FINA世界馬拉松游泳系列賽，也有人愛上「跑酷」，不同於武術，它是種提升緊急脫逃應變力的新運動，它像個比喻，將城市建築解讀成身體高速反應需克服的種種阻礙，跑酷者翻越牆面、跳柱滾地、攀坡爬躍，看他們表演，好像廣告了沒有任何鋼筋水泥能阻擋人類的超越本能，靈活的身體不只出現在奧運地板項目，日常超人也許必要時會出現拯救一場意外！
我認為在公共空間中有越多種身體展示的行為時，生活於這區域的人會越健康。當我們走進公園，那裡總是充滿了放鬆愉悅。一座城市藍圖中的留白，使我們不停地對“多出來的一塊地”充滿想像，用時光不斷地勾勒人們集體生活的氣息。在我們記憶的深處，情感和空間是同時出現的畫面，當我們走進更豐富的空間，我們的旅程絕不是google的衛星圖片能替代，那是個別私密而連貫的個人印象，那是立體的偏好偏見所組合而成的認識，同樣的，我一直認為最好的劇場作品，總是能讓我們看完後不斷回想起來，因為那作品所創造的意象，有足夠的留白空間，話不說死不說白，動作或燈光或音樂讓人雋永，不斷對它產生投射與聯想，不斷地在未來生活還被提起。
在戲劇的排練場也是，至今仍有不脫鞋與拖鞋的排練場之分。台灣早期多半的戲劇作品，主要倚靠劇本對話而生，從電視電影走出來的表演系統始終考慮被看的鏡位美學。一位已故的台灣戲劇大師李國修先生，每當想起他時總是充滿歡笑與熱情，他有次興沖沖地說，只要說一個字，就可以立即加入一群人的談話，你們猜是哪個字？猜嘛～就一個字！沒錯！就是「誰」。他觀察到所有的聊天，話題勢必關乎某人。他對人物的熱情，練就了許多眾知不凡的喜劇特色。在以說話為主的排練場裡有時是穿著鞋子的，演員的動作基於一般日常反應的邏輯，故事情境帶領角色推測行為，成了我們主要的表演。許多小劇場實驗作品則更多著墨於身體的表現方式，那裡的排練場除了要脫鞋之外，還要“和地板保持良好關係”，演出要求演員展現更多的原始身體能量，更有層次及空間感的身體素質。回顧台灣二十年前的表演學習環境，演員們幾乎是徘徊在脫鞋或不用脫鞋的排練場之間穿梭，一邊是熱切討論人生的現實與台上的真實性，一邊在努力打造文學的身體是什麼，或劇場能不能超越文字直接呈現某些身體狀態。台上在跨界，在那些非寫實場景，我們就學舞者不穿鞋在台上表現更多身體抽象之能事。傳統戲劇下的人生世故，和脫下鞋子重新定義每次劇場空間場景的新文本表演，成了表演必修的雙軌線。
為了讓同學上表演課提高專注力，導演或老師會讓大家在空間裡遊走，並做些覺察的訓練，比方你要跑最快的速度，但不能碰撞到任何人，或大家要有高度默契走成同一種速度，甚至某人隨機帶領一個動作，所有人要同步成一個人，並且不能讓我看出來誰是帶領人⋯⋯類似的練習很多，藉著覺察空間中身體移動時的動態，達到集體專注力提升，並訓練控制身體。身體控制及意念的專注必須是習慣，也是肉體在空間中的真相：是構成這個空間的物質，人，作為這空間的一小部分，有其視覺意涵，有其能量，有其時間的態樣。有許多表演藝術大師曾經提到，一個表演者的最佳狀態，是處在「之間（in between）」的狀態：「既在內，也在外」。演員既能感受自己的情緒、也可使之附著於身體外部使用肌肉牽引表情、誘發體液，還能理性平靜地想像自己，正坐在最遙遠的觀眾席上，看到自己在舞台上的空間位置中的表現——這便是眾多的表演訓練的目標：去習慣這種內外進出模式，去覺察空間，時常觀想當下。
所以我們常說「應該要給自己多點空間」這句話通常指的是什麼呢？
（原載於《文訊》408期）
